雷諾瓦（Pierre-Auguste Renoir, 1841–1919）的作品，是藝術史上最有溫度的存在，他歌頌生命中所有愉悅、美麗的瞬間，出身自裁縫師世家，自幼就對織品的質地、剪裁、色彩有著敏銳的觀察，而有如珍珠般閃爍、輕靈的筆觸，使他成為印象派最受歡迎的畫家之一，讓我們一起來看看這10部雷諾瓦名畫吧！
一、《青蛙潭》La Grenouillère, 1869
1869 年夏天，雷諾瓦與莫內在塞納河畔的「青蛙潭」渡假勝地並肩創作（莫內創作了一幅青蛙潭），被公認為印象派風格正式確立的關鍵作品。
在《青蛙潭》中，雷諾瓦運用了大量「破碎色彩」的技術。他放棄了在調色盤上精準混合顏料，而是直接將純粹的顏料以短促、逗號般的筆觸點在畫布上，讓色彩在觀眾的眼睛中進行「光學混合」，完美呈現了陽光穿過樹葉、在粼粼波光上跳動的感覺。
現藏於斯德哥爾摩國家博物館 (Nationalmuseum, Stockholm)。
二、《包廂》La Loge, 1874
當印象派於 1874 年舉辦第一次獨立群展時，《包廂》是雷諾瓦最重要的參展作品之一，將他對時尚的熱愛、對肖像畫的掌握以及對巴黎生活的觀察融合在一起。
十九世紀的巴黎劇院不但是表演的場所，也是中產階級與貴族炫耀財富、建立社交關係的舞台，女主角妮妮正放下望遠鏡，身穿黑白條紋長裙、蕾絲與珍珠首飾，膚色呈現如珍珠般溫潤、略帶粉紅的光澤，展現了雷諾瓦早年作為瓷器畫工的細膩，讓他在前衛藝術中依然保有的一種法式優雅。
現藏於倫敦科陶德美術館 (Courtauld Gallery, London)。
三、《巴黎人》La Parisienne, 1874
《巴黎人》是雷諾瓦對「現代性」的另一種定義，不像當時大多數肖像畫，主角會置於生活氣息豐富的室內，雷諾瓦選擇將模特兒置於一片抽象、冷色調的背景中，使焦點全集中在模特兒本身及服飾上。
這幅作品在當時引起了爭論，批評家們對鮮豔奪目的「天堂藍」長裙感到不安，因為傳統上受人尊敬的巴黎女性在公共場合多穿著冷靜的黑色或灰色，雷諾瓦大膽的選色、鬆散的髮型描繪以及模特兒混合稚氣與嫵媚的神態，挑戰了當時對「女性美」的定義。
現藏地於卡地夫國家博物館 (National Museum Cardiff)。
四、《煎餅磨坊的舞會》Bal du moulin de la Galette, 1876
如果要在印象派中挑選一幅代表性的傑作，這幅巨作無疑是首選。雷諾瓦在蒙馬特租下畫室，每天與朋友們一起將巨大的畫布搬到舞場實地寫生。畫中，陽光穿過樹葉，在舞動人群的衣褶與地面上留下無數光斑，雷諾瓦利用這些閃爍的光點來引導觀眾的視線，使場景和諧且有節奏感。
畫中的人物多為雷諾瓦的朋友與當地居民。他歌頌平凡人的簡單快樂：絲織裙襬的摩擦聲、酒杯的碰撞聲以及迴盪在空中的笑語，這件作品被視為「濾鏡化的幸福」，只呈現生命中最迷人的一面。
現藏地於巴黎奧賽博物館 (Musée d’Orsay, Paris)。
五、《夏龐蒂埃夫人及其子女》Madame Georges Charpentier and Her Children, 1878
這幅肖像畫是雷諾瓦的職業生涯的里程碑，當時的雷諾瓦雖然在圈內享有盛名，但財務狀況依然不穩，直到他獲得了成功出版商喬治·夏龐蒂埃的青睞，才真正進入了巴黎的主流社交圈。
畫中展現了夏龐蒂埃家族的前衛品味，精緻的日本屏風與地毯，反映了當時風靡全歐洲的「日本主義」浪潮，雷諾瓦能在保持色彩鮮明的同時，兼顧上流社會肖像畫所要求的端莊與秩序。畫中左側穿著相同藍色絲織裙的兩名孩童，其實是一女一男，在當時的習俗中，年幼的男孩通常穿著與女孩相似的服飾直到五歲左右 。
現藏於紐約大都會藝術博物館 (The Met)。
六、《船上的午宴》Luncheon of the Boating Party, 1881
這幅是雷諾瓦名畫中的名畫，雷諾瓦最有名的作品，在塞納河畔沙圖的富爾奈斯餐廳陽台，匯聚了十四位他最親近的朋友，完成了這幅複雜的人物群像畫。
構圖極爲巧妙，利用陽台的對角線欄杆，將觀者的視線從前景引向深處，創造了豐富的層次，紅色的遮篷集中了焦點，也在畫面頂部創造了溫暖的光學反射。左側正在逗弄小狗的正是雷諾瓦未來的妻子艾琳·莎里戈 (Aline Charigot)。
現藏於華盛頓菲利普美術館 (Phillips Collection, Washington, D.C.)。
七、《露台上的兩姐妹》Two Sisters (On the Terrace), 1881
誕生於法國沙圖，是雷諾瓦色彩最明亮、愉悅的作品之一，儘管名為「兩姐妹」，但這兩位模特兒其實並無親屬關係，雷諾瓦開始對人物的形體進行更精確的「雕琢」，金髮少女的臉部輪廓清晰、膚色如瓷器般光滑，籃子裡裝著五顏六色的毛線球，與背景中如夢似幻的塞納河形成強烈對比。
現藏於芝加哥藝術博物館 (Art Institute of Chicago)。
八、《鋼琴前的少女》Two Young Girls at the Piano, 1892
這是雷諾瓦晚年最具代表性的作品，也是法國政府對他的最高肯定，當時政府邀請他為新成立的當代藝術博物館創作一件作品，雷諾瓦對此極爲重視，畫了多個版本。
畫中兩位少女專注研讀琴譜，雷諾瓦避開了瑣碎的細節，將焦點集中在少女的姿態與光影上，這件作品象徵著雷諾瓦已經找到了他心中完美的「理想世界」：一個充滿音樂、青春與平靜的中產階級桃花源，筆觸流水般流暢，不再有早期跳動的顆粒感。
現藏於巴黎奧賽博物館 (Musée d’Orsay, Paris)。
九、《傘》The Umbrellas, 1881–1886
這幅作品是了解雷諾瓦藝術轉型的最重要證物，並非一氣呵成，而是分兩個階段完成，中間跨越了約五年的時光。
在同一張畫布上，我們看到了兩個風格的碰撞，右側的小女孩與母親依然籠罩在印象派的柔光中，筆觸輕靈、細碎，而左側手持帽盒的女工，則展現了雷諾瓦受古典大師影響後，對嚴謹性的追求。
現藏於倫敦國家美術館 (National Gallery, London)。
十、《大型浴女》The Large Bathers, 1884–1887
雷諾瓦重新繪製這件大型畫作長達三年，象徵他徹底告別印象派的「瞬間性」，深受古典雕塑與大師魯本斯的影響，轉而追求宏大、永恆的經典風格。
這幅畫描繪了在林間空地嬉戲的裸體女性，使用了極為精確的線條來勾勒人物輪廓，使她們具有如雕塑般的質感，與背景中閃爍的印象派光芒形成了有趣的對比。雖然在當時的沙龍展出時並未獲得預期的好評，甚至引起了爭議，但展現了雷諾瓦將現代與傳統結構融合的勇氣，是他藝術生涯中最重要的實驗之一。
現藏於費城藝術博物館 (Philadelphia Museum of Art)。
「痛苦會過去，美會留下。」 (The pain passes, but the beauty remains.) 這是雷諾瓦晚年即便關節變形、需要將畫筆綁在手上也要創作時所說的名言，他用一生告訴我們，藝術是為了帶給世界快樂與溫暖。
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