莫內的《普爾維爾的懸崖漫步》讓人先感覺到風。衣裙與草葉的邊緣彼此交融，人物像被包在流動的空氣裡。這幅畫適合用來理解「邊緣的虛實」：清楚的輪廓讓形體顯得穩定，鬆散的筆觸則削弱界線。沿著裙襬與草地相接的地方看一遍，就能體會莫內如何用顏色之間的關係，畫出看不見的海風。
普爾維爾位在法國諾曼第、迪耶普附近。沿這段海岸移動，觀看高度會不斷改寫風景：崖頂讓海變成寬廣的色面，走下灘岸，白堊岩壁便升到視線上方，潮水退去後的濕地又把天空映回腳邊。旅行與畫作在這裡相遇，靠的是站立位置的改變。莫內在畫布上調整的天地比例，到了現場，成為身體與海崖之間的距離。
索羅亞的《海邊漫步》，則讓海邊的陽光有了溫度。畫中的妻女幾乎與真人等大，迎面而來的感覺因此格外鮮明。這幅畫最值得學的是「反射色」：白色布料會接住環境的顏色，陰影也能帶著藍與淡紫。試著在白裙中找出三種色調，就能理解畫家如何讓單一顏色有光、有厚度。下次看窗邊的白襯衫，也可以留意同樣的色彩變化。
從畫裡的散步走進今日的瓦倫西亞，海岸與城市仍可以連成同一段路。從 Malvarrosa 海灘走回 El Cabanyal 街區，開闊的沙岸逐漸收進巷弄，磁磚立面、遮陽與窗影接替了水面的反光。索羅亞畫中的藍、淡紫與暖白，也成了辨認顏色的線索。
泰納的《暴風雪：港口外的汽船》則讓人失去安穩的立足點。旋轉的明暗牽著視線繞行，連看畫的人也彷彿晃動起來。這是構圖引導感受的例子：眼睛移動的路徑，會影響我們對平靜或緊張的判斷。沿著畫中最亮的區域看一圈，就能察覺這場風暴如何把人捲進去。
北齋的〈神奈川沖浪裏〉用大小對比製造震撼。富士山原本高大，在畫面裡卻縮成浪下的小三角，眼前的海浪因此顯得格外巨大。這是「相對尺度」的作用：物體的氣勢，也由周圍的參照決定。試著遮住富士山，再看一次巨浪，便能比較遠山如何影響你對浪的感受。
德布西欣賞泰納，也選用北齋巨浪的圖像裝飾《海》的初版樂譜封面：輪廓如何浮現、顏色如何相接、力量如何在畫面裡累積，同樣能成為組織聲音的問題。1903 至 1905 年間寫成的《海》，以三首交響素描展開。
〈海上從黎明到正午〉從低暗的音響出發，短小動機在不同樂器間露面，逐步聚成寬闊的聲勢。〈波浪的嬉戲〉則將音色拆得更細，交錯的節奏讓聲部像波紋般相遇又分開。到了〈風與海的對話〉，第一樂章的材料重新出現，把先前游移的片段帶回更大的結構之中。音樂的重心經常隨音色移交，一個聲部剛變得清楚，便融入另一層音響。局部仍可辨認，整體卻始終在變動。
〈海上孤舟〉是 1905 年鋼琴組曲《鏡》的第三首，題獻給畫家朋友 Paul Sordes。開頭連續流動的分解和弦，把原本可以同時按下的和聲拆成一顆顆先後發亮的音，水面便有了時間。旋律在這片細密起伏中延展，那艘「孤舟」沒有被一個固定的音型完整描繪出來。
到了布瑞頓，海上的孤獨有了人物的名字。《四首海的間奏曲》取自歌劇《彼得・葛萊姆斯》，承載漁夫葛萊姆斯與海岸社群之間的衝突。離開歌劇、成為獨立管弦樂作品後，那股不安仍然留在風景中。
這份聲音與英格蘭東岸的奧爾德堡關係密切。當地的石灘、停在岸上的漁船與低矮海平線，提供了理解布瑞頓的另一種尺度。相較於諾曼第海崖造成的垂直落差，奧爾德堡把人放在一片敞開的水平空間裡。海風少了地形的遮蔽，浪退時，石子摩擦的聲音格外清楚。
離開海灘，布瑞頓與彼得・皮爾斯曾居住的 The Red House，海灘上的另一處回聲，是 Maggi Hambling 為紀念布瑞頓創作的《Scallop》：不鏽鋼貝殼在石地上張開，表面的明暗隨天色改變。音樂、雕塑與海岸共享同一片空氣，作品的紀念性也帶著日常散步的親近感。
第一個練習：找找身邊的藍。看看今天穿的衣服、桌上的杯子，或窗外的天空，找出三種不同的藍。選一個最喜歡的拍下來，想想它比較像晴天的海，還是傍晚的海。
第二個練習：聽三分鐘音樂。點開上方德布西《海》的影片，從開頭聽三分鐘。先停下手邊的事，留意聲音何時變大、何時變小。聽完用一個詞形容感覺，例如平靜、明亮或不安。
第三個練習：同一個風景，拍兩次。站在同一個位置，用手機拍兩張照片。一張多留一點天空，另一張多留一點地面或海面。比較兩張照片，看看哪張讓你覺得更開闊。在住家窗邊、公園或海邊都可以試試。
