《蕭邦練習曲》導聆指南｜Chopin Étude Op.10、Op.25 必聽名曲 & 聆聽重點

提到蕭邦的練習曲，很多人第一反應都是「很難彈」。但這些作品早已超越單純的技巧訓練，成為能被反覆聆聽、充滿畫面感與情緒的音樂，本篇精選了《Op.10》與《Op.25》中最知名的作品，帶你用「聽」的方式，重新認識蕭邦練習曲的魅力！

練習曲（Étude）原本是為了訓練演奏技巧而寫的作品，用來針對某一種（或一組）樂器技巧反覆鍛鍊。蕭邦（Chopin）很可能彈過徹爾尼（Czerny）、克萊曼蒂（Clementi）所寫的練習曲（這些鋼琴教材到現在仍是鋼琴學習的經典），蕭邦卻把技巧練習寫成了能反覆欣賞、能站上舞台、走進音樂廳的作品。

蕭邦的第一套練習曲《作品 10》（Op. 10）於 1833 年出版，當時他才 23 歲。雖然年紀輕，但早已在波蘭與巴黎沙龍圈中累積了不小的名氣。這一組作品，蕭邦題獻給「我的朋友——李斯特（Franz Liszt）」，李斯特比蕭邦小兩歲，李斯特之後也創作了自己的《超技練習曲》。

幾年後，蕭邦完成了第二套 12 首的《作品 25》（Op. 25），並獻給摯友瑪麗・德古（Marie d’Agoult），同時也是李斯特的戀人。至於最後的練習曲創作，則是 1839 年發表的《三首新練習曲》（3 Nouvelles Études），收錄於一套更大型的鋼琴教學著作《Méthode des méthodes de piano》中。

接下來，就跟著我們一起透過幾首經典選曲，深入認識蕭邦的練習曲世界吧！

Table of Contents

Étude Op.10 No.1 瀑布

整首曲子由右手大量快速分解和弦構成，音符像水流一樣不斷傾瀉、翻湧，幾乎沒有喘息空間，如水流般翻湧的和弦進行，視覺與聽覺上都非常有畫面感。整體採用三段式（A–B–A）結構，這也是 Op. 10 中多數練習曲的常見形式：先呈現主題，帶入對比段落，最後再回到最初的想法。

在〈瀑布〉中，右手音群高速傾瀉、上下翻飛，速度之快，甚至讓鋼琴大師霍洛維茲（Vladimir Horowitz）稱它是蕭邦所有練習曲中最難的一首，所以他本人從未在公開演出中演奏過。左手看似只是拉出長音支撐，但考驗都集中在右手奔流的音型上。

Étude Op. 10, No. 3 告別

連蕭邦自己都曾形容為「我寫過最美的旋律之一」的主題，告別是整套練習曲中，最容易讓人停下來細聽的一首。曾多次被改編，出現在流行音樂中，被大眾所熟知，像是英國樂團 Muse 的歌曲〈Survival〉，以及探戈作品〈La melodía del corazón〉，都能聽見它的影子。

在技巧層面上，這首曲子看似溫柔，實則非常考驗控制力，必須在右手同時處理旋律與伴奏：旋律需要被清楚唱出來，卻又不能讓伴奏音型干擾，而左手則負責加入切分節奏（off-beat）的低音線條、額外的和聲，甚至在某些段落中，還會出現隱約的對旋律，常被認為是一首「音樂性遠比技巧更難」的練習曲。

Étude Op. 10, No. 5 黑鍵

這首練習曲會被叫作「黑鍵」，原因很單純，因為只在鋼琴的黑鍵上演奏。在鋼琴作品裡，這種設定本來就不常見，而且還要維持這麼快的速度，也就成了這首曲子最關鍵、也最折磨人的挑戰。黑鍵位置比較高、間距又不那麼直觀，手型只要一亂，就很容易失控，所以這首常被拿來訓練右手手指的穩定度與控制力。

Étude Op. 10, No. 8 陽光

華麗又明亮的練習曲，一開始就由右手輕快的顫音揭開序幕，雖然蕭邦《作品 10》中多數練習曲採用三段式（A–B–A’）結構，但這首作品的曲式略有不同。音樂先從陽光明媚的 F 大調出發，轉向較為陰鬱的 D 小調，彷彿晴朗天氣中突然出現一場風雨。

在一段充滿張力的發展後，樂曲短暫回到最初的主題，接著又展開另一個新的想法。最後，作品以一段閃耀的華彩作結，再次呼應開頭，留下明亮而俐落的印象。這首曲子最困難的地方在於右手快速且密集的裝飾音；同時，演奏者還必須在左手多半佔據的音域中，讓旋律清楚浮現、不被伴奏掩蓋。

Étude Op. 10, No. 12 革命

《作品 10》的最後一首練習曲，是蕭邦早期作品中情感最為個人化的一首，完成於 1831 年「十一月起義」失敗期間，當時波蘭人民反抗俄羅斯帝國統治，最終遭到俄軍鎮壓。因病無法參與保衛祖國行動的蕭邦，在得知波蘭戰敗的消息後，寫下了這首後來被稱為〈革命〉的練習曲，將憤怒、悲痛與無力感，全都傾注進音樂之中。

〈革命〉並不像其他練習曲那樣，專注於某一個明確的技巧訓練，而是更全面地考驗演奏者的整體控制力。要把這首曲子彈好，事前對指法的規劃非常重要，左手密集又快速的音群，幾乎從頭到尾都處在高張力狀態，不是輕鬆能應付的段落。音樂在最後一次主題陳述後突然停止，像是一句話被強行打斷，留下未竟的情緒與張力。

Étude Op. 25, No. 1 風琴

這首曲子有點像雲朵一樣輕飄飄的，也像風聲一樣，手指像微風一樣輕快地掠過琴鍵，音符連續流動，卻不能留下過重的痕跡，彷彿聲音本來就存在空氣之中，所以有個暱稱叫風琴練習曲，不是蕭邦自己取的。

風琴（Aeolian harp）是一種很迷人的樂器，本來就不是給人用手演奏的，琴弦會隨著風吹而自然共鳴，只要風輕輕掠過，就會發出細緻而飄忽的聲音，名字來自希臘神話中掌管風的神祇，概念本身就帶著一種「順其自然」的詩意。

這首作品其實還有另一個較少人知道的暱稱「牧童」，來自一位研究蕭邦的學者，他認為蕭邦在創作時，腦中浮現的畫面是一名牧童吹著長笛，引導羊群前行。這首聽起來卻格外純淨、溫柔，像是一段隨風飄散的旋律，而不是刻意被彈奏出來的聲音。

Étude Op. 25, No. 2 蜜蜂

這首之所以有這麼俏皮的暱稱，旋律一直在動，帶著輕微半音變化，聽起來像嗡嗡飛來飛去、在花叢間穿梭的那種感覺，靈活又不安分。

核心不是比「力氣」或「音量」，而是比手的獨立性＋節奏的穩：右手一路是八分音符三連音，左手同時是四分音符三連音，形成很麻煩的複節奏（polyrhythm），但整體又要保持輕、順、連（legato），聽起來才會像蜜蜂在飛，而不是在趕火車。戈多夫斯基（Godowsky）甚至做過「左手獨奏」的改編，難到不講武德。