19 世紀的藝術透過浪漫主義引入了情感、激情、表現力和鮮豔的色彩，藝術家越來越傾向於在作品中探索情感和個性。與古典秩序與理性的理想截然不同，浪漫主義崇尚激情，並表達新穎的、往往帶有反叛色彩的理想。讓我們一起來看看這10幅最知名的浪漫主義名畫！
一、《乾草車》The Hay Wain (John Constable, 1821)
自然的魅力是浪漫主義的主要特徵之一，因此有許多浪漫主義風景畫讚美自然，要麼讚美自然的狂暴和無情，要麼讚美自然的美麗和寧靜。
英國風景畫家約翰·康斯塔伯（1776-1837）是英國風景畫史上最偉大的創作者之一。在《乾草車》（1821年）中，康斯太勃爾描繪了斯陶爾河畔的鄉村景色，這條河是英格蘭薩福克郡（Suffolk）與埃塞克斯郡（Essex）的交界處，由三匹馬牽引的空乾草車，正緩緩涉過河水，準備前往對岸正忙於收割的草地，左側的建築是著名的威利·洛特小屋（Willy Lott’s Cottage）。
但它在 1821 年於倫敦皇家藝術學院首次展出時並未售出。直到 1824 年，這幅畫在巴黎沙龍展出，引起了傑利柯（Théodore Géricault）等法國藝術家的極大讚賞，甚至獲得了法國國王查理十世頒發的金獎，這才奠定了它的國際聲望，如今被認為是英國浪漫主義繪畫中最著名的作品之一。
二、《梅杜莎之筏》The Raft of the Medusa (Théodore Géricault, 1818–1819)
傑利柯的杜美莎之筏被公認為法國浪漫主義繪畫的巔峰，創作背景源於 1816 年發生的一場震驚全法的真實海難：由於艦長失職，這艘護衛艦在塞內加爾海岸附近觸礁沉沒，147名船員被困在茫茫大海中的木筏上，缺水缺糧。在長達13天的驚心動魄的求生之旅中，人們為了生存而掙扎，甚至訴諸人食和殺戮。最終，只有13名倖存者被「阿爾戈斯號」雙桅帆船救起。
這幅畫作於1819年在巴黎沙龍展出時，引起了法國公眾和藝術評論家的褒貶不一的反應。有些人讚賞這幅大膽而坦率地描繪法國真實狀況的作品，而另一些人則對這幅描繪生存景象的恐怖畫作感到震驚，因為當時法國民眾對那段歷史仍然記憶猶新。尺寸達 491 cm × 716 cm，目前佔據著羅浮宮的一面大牆。
三、《霧海上的旅人》Wanderer above the Sea of Fog (Caspar David Friedrich, 1817–1818)
德國畫家弗里德里希的《霧海上的旅人》，是德國浪漫主義的代表作，描繪了一位孤獨的男子，站在懸崖邊，凝視著無垠而原始的自然世界，將非理性的野性自然與人類對立起來。弗里德里希在這裡運用了一種被稱為「背影」（Rückenfigur）的特殊構圖手法，描繪的是背對的人物。這種技法，加上人物身分的不確定性，能夠與畫中人物產生共鳴，並沉浸於畫作之中。
畫中的景象並非取自單一地點，而是根據他在易北砂岩山脈（Elbe Sandstone Mountains）多次寫生所得的元素重新組合而成，這種對自然的重組，體現了浪漫主義中「主觀想像力高於客觀事實」的原則。有些學者認為，這幅畫是弗里德里希的自畫像，賦予其浪漫主義時期常見的自我反思意味。
這幅畫目前收藏於德國漢堡美術館（Hamburger Kunsthalle），自 1970 年購得以來一直是該館的鎮館之寶 。
四、《吻》The Kiss (Francesco Hayez, 1859)
在義大利浪漫主義運動中，阿耶茲（Francesco Hayez, 1791-1882）的《吻》具有至高無上的地位。表現了戀人間濃烈的情感，更嵌入了當時義大利復興運動（Risorgimento）的愛國密碼，一對身著中世紀服飾的情侶正在陰暗的階梯旁熱吻。男子一隻腳踏在台階上，彷彿隨時準備離去投身戰場，這種離情別緒為這場親吻增添了一種史詩般的英雄色彩。
女子閃爍著光澤的藍色絲綢長裙，配合男子的紅襪、綠色翻領以及白色的內衣，巧妙地將義大利國旗（綠、白、紅）與法國國旗（藍、白、紅）的色調融合在一起 。這象徵著當時義大利為了爭取民族獨立，與法皇拿破崙三世結盟對抗奧地利帝國的政治現實。
《吻》在 1859 年於米蘭布雷拉畫廊展出後立即獲得巨大的成功，阿耶茲隨後又創作了多個版本，包括一個女子穿著白裙的版本（1861年，為米利厄斯家族創作） 。這幅畫對後世影響極深，不僅激發了巧克力品牌 Baci Perugina 的包裝靈感，也成為多部義大利經典電影（如維斯康堤的《戰國妖姬》）的視覺原型。
五、《自由引導人民》Liberty Leading the People (Eugène Delacroix, 1830)
德拉克洛瓦以法國七月革命為背景（Les Trois Glorieuses）——這場革命推翻了查理十世的統治，標誌著波旁復辟時期的結束。德拉克洛瓦雖未親自參與街壘戰，但他曾在信中寫道：「如果我不能為祖國戰鬥，至少我要為她繪畫。」
畫作的核心人物是瑪麗安娜，她像徵法蘭西共和國，體現了共和國的自由、平等和博愛價值。她有時也被描繪成自由女神。左手持步槍，右手持法國國旗，頭戴象徵自由的弗里吉亞帽，赤腳赤膊地引領人民走向未來。
這幅畫現在是自由與民主的全球性象徵，但在當時卻因過於激進而一度被官方收起。直到 1874 年，它才正式進入羅浮宮典藏，在 2008 年被 Coldplay 樂隊用作專輯封面，更成為法國文化身份不可分割的一部分。
六、《第九波》The Ninth Wave (Ivan Aivazovsky, 1850)
俄羅斯海洋畫大師伊凡·艾瓦佐夫斯基（Ivan Aivazovsky, 1817-1900）一生創作了超過 6,000 幅海景畫，其中《第九波》（俄語：Девятый вал）被譽為海洋藝術的最高傑作。
標題源自一個古老的航海傳說：在海上的連串巨浪中，第九道浪是最強大、最具毀滅性的。艾瓦佐夫斯基本人曾有過在比斯開灣遭遇嚴重風暴並險些喪命的真實經歷，這賦予了他對水體運動與光影折射的卓越洞察力 。
艾瓦佐夫斯基的技術在那種「半透明」海浪的處理上達到神乎其技的地步，觀眾彷彿能感受到海水的泡沫與腥鹹的氣息。目前收藏於聖彼得堡的俄羅斯博物館（State Russian Museum），它曾是亞歷山大三世俄羅斯博物館於 1897 年成立時的第一批藏品之一。
七、《1808 年 5 月 3 日》The Third of May 1808 (Francisco Goya, 1814)
在西班牙畫家戈雅（1746-1828）創作於1814年的畫作《1808年5月3日》中，他描繪了西班牙人反抗法國統治的解放鬥爭的開端，即著名的「五月二日起義」。畫中展現了佔領西班牙的法國軍隊在5月3日晚上處決西班牙起義者的場景。
這幅畫描繪了戰爭的殘酷，西班牙起義軍和法國士兵被描繪成對立的雙方。西班牙人的姿態和動作刻畫細緻入微，傳達出恐懼、憤怒和愛國情懷，而法國士兵則被描繪成一群面目模糊、千篇一律的烏合之眾。這幅畫著重展現了西班牙起義軍反抗拿破崙的英勇事蹟。
曾被長期存放在西班牙普拉多博物館（Prado Museum）的倉庫中，直到 1872 年才被重新列入館藏目錄，現已成為該館最受推崇的國寶。
八、《夢魘》The Nightmare (Henry Fuseli, 1781)
瑞士畫家亨利·富塞利（1741-1825）經常在他的畫作中描繪黑暗的超自然主題，甚至創作了一系列關於噩夢的畫作。在《夢魘》（1781）中，富塞利描繪了一位沉睡的女子，兩個惡魔正向她走來，想要奪走她的靈魂。其中一個是猿形惡魔「夢魔」（Incubus），坐在她的胸口，另一個翻白眼、神情詭譎的馬頭從簾幕後探出。
這幅畫精確地捕捉到了「睡眠癱瘓症」（Sleep Paralysis）的體感——那種無法動彈、胸口沈重並伴隨幻覺的恐懼感，也影響了後來佛洛伊德的夢境分析，佛洛伊德在其維也納寓所的診間牆上就掛著這幅畫的複製品。這幅畫也持續啟發許多關於惡魔和吸血鬼的電影。
目前收藏於底特律藝術學院（Detroit Institute of Arts），是浪漫主義哥德美學的開山之作。
九、《被拖去解體的無畏號》The Fighting Temeraire (J.M.W. Turner, 1838–1839)
透納（J.M.W. Turner, 1775-1851）是光影大師，也是浪漫主義中「自然力」最強大的代言人。《被拖去解體的無畏號》（全名：The Fighting Temeraire, tugged to her last berth to be broken up, 1838）被選為「英國最偉大的畫作」，曾經在特拉法加海戰中赫赫有名的「無畏號」戰艦，如今已是破舊的殘軀，正被一艘噴著黑煙、骯髒短小的蒸汽拖船拖向拆解場。
這幅畫作於1839年在皇家藝術學院展出，夕陽象徵舊帆船時代的終結，而遠方的新月則暗示工業時代的來臨。
目前收藏於倫敦國家美術館。
十、《牛頓》Newton (William Blake, 1804–1805)
布萊克展現了他對啟蒙運動科學理性的批判，他將偉大的科學家牛頓描繪成一個赤裸、肌肉結實的希臘英雄式人物，坐在深海底部長滿海苔的岩石上，正低頭專注於用圓規在地面上繪製幾何圖形。
對布萊克而言，牛頓代表了「單一視角」（Single Vision）的錯誤——即只相信肉眼可見的物理世界（所謂的「植物性眼睛」），而忽視了精神與想像力的無限寬廣 。畫中的牛頓被侷限於他自己的測量工具中，對身後瑰麗神祕的海底世界視而不見。
目前收藏於倫敦泰特不列顛美術館（Tate Britain）。
